성탄 활동자료＜초등부용＞

 

초등부용

특별한 성탄절 기획하기
천안장로교회 유진상 목사

 

성탄절과 부활절은 기독교의 가장 큰 절기임에는 분명합니다. 그러나 실제로 우리의 교육현장에서는 구원자이신 예수님의 나심과, 우리의 죄를 위해 죽으셨다가 살아나신 영광스러운 의미가 점차 사라지고 있는 것이 사실입니다. 특히 대강절 같은 경우는 우리에게 그 이름이 생소할 정도로 사람들의 기억에서 잊혀진 절기가 되어 버렸습니다. 성탄절도 그저 특별한 간식을 먹는 날로, 발표를 위해 분주한 날로만 기억되는 것이 우리의 현실입니다. 그러나 이 책임을 누구에게 돌릴 수 있을까요? 결코 아이들에게 돌릴 수는 없습니다. 우리의 성탄절 행사 속에서 어느덧 진정한 성탄의 의미가 사라져 버린 것입니다. 그렇기에 우리는 이번 성탄절을 우리의 아이들에게 성탄의 정신을 바로 가르치고, 기독교 최고의 축제로서의 성탄의 의미를 그대로 잘 드러내기 위해 힘을 써야만 할 것입니다.

A. 대강절 및 성탄절 준비 시 중요사항

1.성탄절은 “예수님이 이 땅에 오신 날이야”라고 말 할 수 있도록 가르치라.
2.예수님이 탄생하신 이야기를 성경에 기록된 대로 가르쳐 주라.
(눅2:1-20, 마2:1-12)
3.성탄절이 축제가 되게 하라.
4.교회의 절기를 전도에 이용하라.
5.성탄절이 진정한 나눔을 하는 계기가 되도록 만들어라.
6.절대로 보여주기 위한 행사를 하지 말라.
7.의미를 변질시키는 것이라면 절대로 포기하라.

B. 대강절

1.대강절이란?
대강절은 성탄절이 되기 4주전부터 시작된다. 대강절은 성탄절이 되기 4주전부터 시작하여 그 절정이 성탄절에 이루어지기에 대강절을 지키지 않고 성탄절을 의미있게 지내기란 쉽지 않다. 영적으로보다 라도 예수님께서 이 땅에 오시기 전에 하나님께서 이를 위해 준비하셨음을 볼 때 대강절의 준비는 우리에게 꼭 필요한 것이라고 본다.
이런 의미에서 볼 때 대강절은 깊은 참회와 회개의 시간이 되어야 하며, 하나님께 헌신과 결단을 드리고 가정과 개인의 경건을 회복하는 시간이라고 할 수 있다.

2.대강절 프로그램
대강절은 가정과 교회를 통해 성탄이 준비되도록 계획하는 것이 중요하다.
①가정
가정 통신문을 통하여 부모님에게 먼저 대강절과 성탄절의 의미를 밝히고, 가정예배 순서지를 만들어 한 달 동안 가족이 함께 예배하며 하나님께 나아가게 한 다.
순서(찬양. 이벤트 서로를 향한 감사기도문 낭독, 성탄나무 만들기, 성탄카드 쓰기, 내년 계획 만들어 발표하기 등
. 본문 낭독. 본문에 따른 가족대화의 시간. 함께 기도 순으로 정하고 온 가족이 매일 매일 성경을 읽을 수 있도록 분량을 정하여 준다.)
②교회
가능하면 가정과 교회 프로그램과 연결되도록 기획한다.
a.예수님이 태어나신 나라는 어떤 나라인가?
-이스라엘의 풍습과 지리, 의상 등을 연구 (활동 후 우리와 비슷한 것, 다른 것, 느낀 점, 인상에 남는 것 등을 나누도록 한다)
-이스라엘 지도 그려보기.
-이스라엘 자료 및 지도를 수집하여, 미리 장식함으로서 아이들이 설명 후 직접 볼 수 있도록 하는 것도 좋다.
b.예수님 탄생에 대한 성경공부
c.성탄 츄리 만들기
d.성탄절 상징 배우기(참고자료)
e.성탄절 대형 카드 나누기
f.성탄 카드 전시회

C. 성탄절

1.성탄절 행사
①행사 전 준비
a.한 달 전부터 미리 계획하여 친구들을 전도하는 전도잔치로 계획한다.
b.양말, 장갑을 수거한다. 성탄절 행사 후 이웃에게 나누워 준다.
②행사 프로그램
a.영화상영
b.인형극
c.게임
d.마술쇼
e.설교
③제안
a.장애우와 함께 하는 예배를 준비해도 좋다.
b.찬양으로 준비된 예배 (전 교회를 감싸 안는 찬양)
c.생일파티 형식으로 준비된 예배
④성탄절 설교
-역할극이 가미된 의미설교.
-글 없는 책을 이용한 구원설교.

중고등부용
드라마로 꾸며본 성탄
송동길 전도사
1. 연출의 기능과 요건
연극에서 연출의 위치는 그 어느 영역보다 중요하다. 연출의 시작은 19세기 후반인 1874년 독일에서 시작했고 그 이전까지는 연출이라는 하나의 독립된 영역이 존재하지 않았다. 최초의 연출자였던 고든 크레이그는 연출연극을 하나의 통일화작업으로 인식하여 무대장치, 조명, 의상 등의 영역을 하나의 연결된 작업으로 생각함으로써 연극 작업의 통일성에 큰 기여를 하였다.

* 연출의 기능 (3가지 기능)
- 대본의 주제와 내용을 분석해 관객에게 전해 주고 그것을 이해시키는 해석자 기능
- 분석한 대본을 가지고 실제무대에서 관객이 볼 수 있도록 표현하는 기술적인 기능
- 연기, 무대장치, 소품, 조명, 음향 등의 영역에 속한 인원들을 하나로 결속시키며 조화를 이루게 하는 조정자의 기능

* 연출자의 요건
- 대본을 보고 그것을 이해하고 분석할 수 있는 역량이 구비되어야 한다. 한정된 시간 안에 효과적으로 관객에게 전달할 수 있어야 하는 무대상의 기술적인 면이 특별히 요구된다.

◎ 대본을 이해하고 분석하는 적용기준
① 주제
■ 글쓴이의 주제가 말할 만한 가치가 있는가?
■ 삶에 있어서 그것이 진실되게 표현되어 있는가?
■ 대사의 분석은 주제에 비추어 분석해야 한다.
② 대본의 구성
■ 줄거리가 어떻게 짜여져 있는가?
■ 관객에게 흥미와 공감을 줄 수 있는 요소가 있는가?
■ 허황되게 조작되지는 않았는가?
■ 드라마의 동기설정이 잘 되어 있는가?
③ 등장인물
■ 인물의 성격이 사실적인가? (실샐활에서 본 듯한 사람인가?)
■ 생명력이 있고 공감할 수 있는 인물인가?
④ 언어
■ 실생활에서 함축미가 있는 대사를 사용하는가?
■ 대사는 인물의 성격 파악에 도움이 되는가?
■ 관객들이 기억하거나 인용할 만한 대사가 있는가?

- 분석한 대본을 무대에 표현할 수 있는 기술적인 기교가 필요하다. 이런 요소는 무대를 구성하는 무대 배치, 배우의 연기와 세트, 소도구 등을 표현 해서 전달하는 시각화의 영역과 작품의 템포와 리듬을 부여시키는 기능들까지 포함된다.
- 연출자는 각 파트의 담당자들 사이에 원만한 조화를 이루어내야 하는 지도력과 통솔력의 요건을 지니고 있어야 한다.

2. 연출의 실제
* 연습과정
대본의 선정과 분석이 끝나면 무대에서의 공연을 위한 실제연습에 들어가게 된다. 그 전에 연출자가 완료해야 할 것이 배역 선정의 문제라고 할 수 있다. 교회의 인원수와 상황을 생각해야 하지만 기본적으로 배역에 맞는 외모, 음성, 각 사람의 개성 등의 자질을 확인한 후, 배역을 맡기는 것이 좋다.
한 편의 연극을 공연하기 위해서는 길게는 몇 달, 짧게는 한 달 정도의 다양한 시간이 요구된다.

① 독회 (The Play Reading)
독회란 연출자와 배역진이 모여 작품을 읽는 것을 말한다. 이 때는 편안한 상태에서 감정을 넣지 않은 채 대본을 읽으며 주제, 내용, 인물들의 성격과 관계 등을 파악하는 것이 중요하다. 이 때 연출자는 할 수 있다면 그림이나 무대모형을 가지고 무대의 전체적인 배치와 분위기 등을 배역진에게 설명한다. 독회는 1, 2회가 적당하다.

② 토론과 분석과정
토론과 분석은 독회 후, 연출자와 배역진이 모여 대본을 읽은 것을 토대로 대본의 주제, 인물과 성격과 관계, 대사 등과 조명, 의상, 무대 등의 부분까지 의견을 교환하며 대본상의 오점과 미진한 부분을 수정하고 보강하는 성격을 가지고 있다. 이 때 연출자는 연기자들이 대본과 배역을 놓고 창조적이고 폭넓은 사고와 분석을 할 수 있는 환경을 마련해 주는 것이 중요하다.

③ 읽기 연습, 낭독 연습
분석과정이 끝난 후 각 배역을 맡은 연기자들이 감정을 넣어 대사를 읽는 단계가 읽기연습 혹은 낭독연습의 단계이다. 이 때는 감정없이 대본을 앍었던 독회와는 달리 분석한 것을 토대로 인물의 성격에 맞춰 대사의 의미, 감정, 악센트, 소리의 높낮이, 리듬과 템포, 사이 등을 적용해 대사를 읽어야 한다.
이 때 연출자는 연기자들의 대사를 듣고 미진한 부분이나 잘못 분석된 부분을 수정해 주는 것과 다른 배역과의 관계를 조율하고 조화시키는 일을 해야 하며, 스테트들에게 지시해 각 분야가 해야 할 작업들을 인지시키고 대본에 기록하게 하여 잊지 않도록 준비를 시키는 일을 해야 한다.

④ 동작연습
이것은 일명 블럭인(Blockin)이라고 한다. 흔히 알려진 바는 동작선, 혹은 동작연습을 지칭하지만 사실, 특정한 구역 내에서 '약도를 그리다', '설계하다' 등의 뜻을 가지고 있다.
연출자는 각 배역들의 동작선 계획을 끝낸 상태에서 배우들은 그 선을 따라 움직이며 대사를 연습하게 된다. 연기자 외의 스테프진 또한 이것을 확인하고 검토하여 조명이나 의상, 무대장치와 배치, 소도구, 음향 등의 표현계획을 구체적으로 세우게 된다.

⑤ 기억을 통한 연습
무대동작을 익힌 연기자들은 작은 표정이나 섬세한 움직임을 계산해야 하는데, 이 때는 대본의 대사를 보지 않은 채 움직이며 대사를 할 수 있는 '대사암기'가 요구된다. 이러한 연습단뎨를 기억을 통한 연습이라 한다.

⑥ 일관연습
각 장면을 나누어 연습하는 단계를 넘어 첫 장면에서 마지막까지 이르는 일관된 연습의 단계이다. 특별한 경우를 제외하고 시작부터 끝까지 중단되는 일 없이 연습하는 성격을 가지고 있다. 연출자는 이를 통해 대략의 상연 소요시간을 측정해 봐야 하며 배역진의 연기 또한 더 자세히 다듬어 주는 역할을 해야 한다. 또한 기술적인 면에서도 모든 영역이 준비되어 있어야 할 단계이다.

⑦ 수정연습과 총연습
보통 3~4일이 소요되는 수정연습은 극의 상연시간을 계산해 상황에 맞게 조정하여 드라마의 템포와 리듬이 수정, 검토되는 작업이다. 수정연습이 끝나면 총연습으로 이어지는데 총연습은 연습의 마지막 단계로 보통 하루 전 날 이루어진다. 이 때에는 배역진과 스테프들이 공연과 똑같은 상황을 가정하여 연습을 하게 되고 시대극이라면 의상과 소품까지 동원된 상태로 리허설에 들어가게 된다. 이 때 연출자가 유의할 점은 작은 영역의 수정은 가능하지만 전반적인 부분의 수정은 피해야 한다.

이러한 연습의 단계를 거쳐 드라마는 관객에게 공연되며 교회나 단체들은 무엇보다 주어진 환경과 상황에 적합한 대본과 인원수, 연습시간을 정하는 것이 중요하다.

* 무대의 구분
연출자가 동작선을 구상하거나 소품 등의 무대배치를 위해서는 무대의 구분과 기본적인 특징을 알고 있어야 한다. 무대 구분으로는 '6등분 구분'과 '9등분 구분'으로 나뉘어지는데, 이것을 기초로 하여 무대배치와 무대상의 움직임을 구성하게 된다. 이것은 각 교회의 넓이에 따라 다소 차이가 있을 수 있다. 연기자의 동작선 연습시에는 연출 대본을 기준으로 무대 바닥에 페이핑작업을 하여 동작선과 세트, 소품의 위치를 표시한 후, 연습하는 방법이 많이 이용되고 있다.

① D.C. (Down Center) : 무대에서 가장 잘 보이는 위치. 강하고 딱딱한 느낌의 구역으로 극의 절정에 많이 사용된다. 강하고 강조해야 할 대사 등을 할 때 서는 위치이다.
② U.C. (Up Center) : 당당하고 고상하면서 위엄있는 구역이며 우월성의 느낌을 가지고 있는 위치로 연설식의 대사를 외칠 때 많이 서는 위치이다.
③ D.R. (Down Right) : 친근하며 인간적인 따뜻한 느낌과 즐거운 느낌이 표현되는 위치로 사랑하는 장면이나 긴 해설 등에 적합한 위치이다.
④ D.L. (Down Left) : 공식적이며 의례적인 형식의 느낌을 주는 한편으로는 음모나 배타적인 감정을 표현하기도 한다.
⑤ U.R. (Up Right) : 서정적이며 부드럽고 낭만적인 느낌을 주는 위치로 사실성 없는 환상 등을 표현한다.
⑥ U.L. (Up Left) : 가장 인상이 약한 위치로 살인 등을 표현하는 위치로 사용된다.

# 무대에서의 연기
연극에서 극작가와 연출자의 생각과 의도를 표현할 수 있는 가장 절대적인 매개체는 연기자라 할 수 있다. 관객들은 배우들의 연기를 통하여 작가의 의도를 접하게 되며 그 이상의 표현을 향유할 수 있기 때문이다.
그러므로 '배우는 연극의 왕'이란 말처럼 배우의 연기는 드라마의 핵심이다. 공연을 하는 연기자에게는 두가지의 기능과 역할이 부여되는데, 그 첫째는 작가와 연출자의 작품과 의도를 해석하는 예술적이고 해석적인 기능이며, 둘째는 그 해석을 자신의 표현인 연기를 통해 전달해야 하는 매체의 기능이다.

* 배우가 갖춰야 할 기본적인 요소들
- 풍부한 내면
배우의 연기는 배우의 음성과 동작을 통해 표현되지만 그 표현의 밑바탕에는 배우의 내면이 존재한다. 배우의 역량 중 정대적인 부분이 내적 소양의 영역에 뿌리를 두고 있는데, 대표적인 부분으로 풍부한 상상력과 날카로운 감수성 그리고 대본과 대사를 치밀하고도 정확하게 분석하는 힘의 영역이라 할 수 있다. 무엇보다 배우는 수동적이거나 피동적 존재가 아닌 글자화돤 대본을 실제로 표현해야 할 창조적인 존재임을 잊지 말아야 하며, 그것을 위해 부단히 노력하고 고민해야 한다.

- 정확한 언어의 구사
세익스피어는 '배우란 한 시대의 척도'라는 말을 했다. 일차적으로 배우는 그 지역과 그 시대의 언어로 극의 내용과 의도를 그의 음성을 통해 전달하게 된다. 그 역할을 감당하기 위해서는 정확한 발음과 표현이 절대적인 요소이다. 잘못된 언어습관이나 바르지 못한 발음은 실질적인 장애가 될 것이다.

- 연기에 적합한 신체훈련
배우의 연기의 표현요소 중 다른 하나는 신체라고 할 수 있다. 그러므로 배우는 꾸준히 자신의 신체를 훈련시킬 필요가 있는데, 사실주의적인 연기의 중요한 축을 이루고 있는 근대의 배우연기술의 권위자인 스타니슬라브스키는 다음과 같은 항목을 배우의 요소로 언급하고 있다.
① 배우는 꾸준히 그의 육체와 음성을 훈련해 어떤 상황과 요구에 대해서도 쉽게 적응할 수 있는 모습을 갖추어야 한다.
② 배우는 현실을 주의깊게 관찰하는 습관을 가져야 한다. 일상의 생활을 통해서 그의 주위에서 생기는 모든 사건과 현상 그리고 인물들을 자세히 관찰하여 그가 맡은 배역에 이것을 투사하고 융합함으로써 설득력 있는 연기를 할 수 잇는 것이다.
③ 배우는 무대에서의 모든 기술을 철저히 배우고 익혀야 한다.
④ 배우는 감정기억을 발달시켜야 한다. 가지가 맡은 극중 인물이 처해 있는 상황을 염두에 두며 '만약에 내가 이런 처지에 있다면?"이란 가정을 세워 자신이 겪은 일상에서의 경험과 감정을 기억해 그것을 맡은 극중 인물의 감정과 심리에 투사해야 하는 것이다.
⑤ 배우는 주어진 작품의 내용과 모든 행동, 대사를 치밀하게 검토하고 연구해야 한다.
⑥ 배우는 상상력을 풍부하게 하는 연습을 꾸준히 계속해야 한다.
⑦ 배우는 주의집중의 훈련을 축적해야 한다.
⑧ 배우는 극중의 진실을 자신 스스로 신뢰할 수 있을 정도로 모든 세부적 감정과 행위를 파악해 표현함으로써 관객에게 사실감을 주어야 한다.

* 연기의 표현요소와 방법
연기자는 음성과 육체동작으로 대본에서 전달하고자 하는 메시지를 전달하게 된다. 대사와 동작에 대해 기본적인 주의점을 살펴보면,

- 배우의 음성(대사)
연기자의 대사를 정확하게 발음할 수 있는 음성을 가져야 하며, 그 음성은 드라마의 내용과 주제, 인물 등의 상황에 따라 변화가 있어야 한다.
그러나 무리한 과장과 치장이 아닌 자연스러운 소리로 표현되어야 하며, 사성인 고, 저, 장, 단의 변화를 통해 인물의 정서와 감정의 변화를 전달해 낼 수 있어야 한다.

① 감정을 내포해 표현해야 한다.
② 대사할 때의 장면에 몰입할 수 있어야 한다.
③ 말투나 억양 그리고 고, 저, 장, 단의 사성에 항상 주의해야 한다.
④ 처음부터 잘 하려는 욕심을 주리지 말아야 한다.
⑤ 정확한 발음을 구사한다.
⑥ 타인의 대사형태를 연상하거나 흉내내지 말아야 한다.
⑦ 대사의 내용을 정확히 파악해야 한다.
□극은 어떤 이야기인가?
□작가는 무슨 목적으로 이 대사를 썼는가?
□대사가 극 전체의 흐름과 무슨 연관성이 있는가?
□대사를 하는 인물의 심리는 어떤 것인가?
⑧ 대사처리의 주의점
□말하기 전에 호흡을 반드시 새로 들이쉴 것.
□여러 말의 제약들을 대본에 기호로 표시하는 습관을 가질 것.
□한 음, 한 음의 발음을 정확히 할 것.
□문장을 끊을 때는 말의 뜻에 따르며, 자신의 호흡의 길이에 따라 끊지 않도록 할 것.

* 무대에서의 동작
셀든은 [무대의 동작]에서 세 가지로 무대동작의 성격을 분류하였는데,
- 이동으로서의 동작으로 공간에서의 이동을 지칭한다. 전화를 하기 위해 전화기 쪽으로 가는 동작, 창문을 열기 위해 창문쪽으로 가는 동작 등이 이러한 이동의 동작이다.
- 변화로서의 동작으로 배우의 한 동작 자체의 변화를 말한다. 가세는 그대로인 채, 손과 몸의 위치를 바꾸는 경우나 의외의 인물 등장에 따른 분위기의 변화 등이 이러한 범주에 들어 간다.
- 조정을 위한 동작으로 변화된 환경에 신속히 자신을 적응시키며 조정하는 본능적인 표현의 영역으로, 불이 나서 음식이 탈 때, 신속히 그 쪽으로 움직여 불을 끄는 동작과 같은 경우이다. 높은 곳에서 뛰어 내릴 때, 땅에 닿을 때 몸의 균형을 잡는 것들이 조정을 위한 동작이라고 할 수 있다.

- 무대동작의 주의점과 무대위치에 따른 표현의 강조점
① 무대에서의 움직임은 같은 동작선이 반복되지 않도록 골고루 사용해야 하며, 가급적 무대 중앙은 자주 사용하지 않는 것이 좋다.
② 배우의 불필요한 작은 움직임은 동작의 집중력을 흐트러뜨리므로 유의해야 한다.
③ 모든 동작에는 움직임의 동기가 있어야 하고 그 동기가 관객에게 표현되어야 한다. 인위적인 것이 아닌 자연스러운 모습으로 이것이 비춰져야 한다. 그런 이유로 윰직임에는 그 의미가 있어야 하며, 행동에 있어서 무의미한 움직임이 없어야 한다.
④ 모든 동작에는 정서 혹은 분위기가 있어야 한다. 함께 문을 열며 등장할 때에도 집주인인지 처음 오는 소님인지 분위기가 구분되어야 한다.
⑤ 모든 동작은 대사와 조화를 이루어야 한다. 강한 대사는 강한 움직임을, 약한 대사는 약한 움직임을 보여야 한다.
⑥ 모든 동작에는 계산되야 하며, 배우는 그 계산에 충실해야 한다. 또한 대사 중 자신의 대사에 따라서 움직여야 한다.
⑦ 움직이거나 대사를 하는 배우는 다른 인물의 앞을 지나가면서 해야 하며, 같은 방향에서 등장인물이 서로 마주치는 것은 좋지 않다.
⑧ 무대에 등장하기 전, 감정의 현실을 정확히 파악해 무대에 첫 발을 놓는 순간 등장인물이 되어야 한다.

- 무대 위치에 따른 표현의 강조점
연기자가 무대에서 연기를 할 때 특별한 상황이 아니면 관객에게 등을 돌린 상태로 있으면 안된다. 될 수 있으면 관객을 향해 몸을 최대한 보여야 하며 앞으로 서 있을 경우 45도 정도의 각도가 이상적이다.

① 4분의 1의 각도
배우의 몸이 관객으로부터 4분의 1 정도 돌아서 있는 위치이다. 무대 바깥쪽 발은 관객과 45도 각도를 유지하며 윗쪽 발은 풋라이트 조명과 평행을 이루게 된다.
② 정면
배우의 몸이 정면을 향했을 때의 모습으로 중요한 대사를 표현할 때 이용된다.
③ 측면
두 명의 배우가 마주보고 있을 때의 모습으로 말다툼이나 상대방을 비난하는 등의 장면을 위해 사용되며 동시에 희극적인 효과를 위해 사용되기도 한다.
④ 4분의 3
연기자가 관객에게 등을 돌린 채 4분의 3과 얼굴의 4분의 1 정도만 노출시키는 위치로 배우가 무대 위쪽에 있는 배우에게 특정한 장면의 주도권을 부여해 그쪽으로 관객의 관심을 집중시키기 위한 효과로 사용된다.
⑤ 뒷면
연기자가 관객에게 완전히 등진 상태로 특별한 경우가 아닌 이상 사용되지는 않는다. 무엇보다 연기자는 관객들이 자신에게 좋은 연기를 기대하고 있다는 것을 잊지 말고 자신감을 가지고 연기하는 것이 중요하다.

배우의 연기를 방해하는 요소는 관객의 눈을 두려워 하는 부끄러움, 이것은 주의집중의 미숙으로부터 비롯된다. 그리고 잘못된 습관의 보전, 양손의 처리 미숙, 연기의 기초와 기본 요건의 미비 등으로 분류된다.

# 드라마의 조명
* 조명의 기능
① 관객에게 연기자의 얼굴과 그 표정을 잘 볼 수 있게 하는 역할
② 색채와 명암, 강도 등을 이용해서 때와 특정한 장소를 설정할 수 있으며, 세부적인 영역까지 들어간다면 구체적인 그 날의 시간, 빛의 근원과 날씨의 묘사, 시대상을 표현할 수 있다.
③ 조명은 드라마의 정서를 나타내는 기능을 하는데 이 표현은 조명장비에 젤라틴이라는 색지를 부착해 빛을 비추어 이루어진다. 기본적으로 노란색이나 오렌지색, 분홍색은 밝고 따뜻한 분위기를, 파란색이나 초록색은 암울한 분위기를 상징한다. 이런 기본적인 부분 위에 빛의 밝기, 빛깔, 방향 등을 혼합해 더욱 다양한 분위기로 표현할 수 있다. 이러한 조명의 색채들은 각각의 고유한 느낌이나 감정을 가지고 있다.

■ 적색 : 매우 자극적이고 더운 느낌
■ 오렌지색 : 자극적이고 더운 느낌
■ 황녹색 : 다소 안정적이고 중립적인 느낌
■ 녹색 : 안정적이고 차가운 느낌
■ 청녹색 : 매우 안정적이고 차가운 느낌
■ 청색 : 자극이 없는 차가운 느낌
■ 보라색 : 다소 자극적이고 중립적인 느낌
■ 붉은 자주색 : 자극적이며 조금은 더운 느낌

④ 조명은 공연의 스타일을 강화시킨다. 조명은 무대장치와 의상, 소품 등의 요소와 함께 공연의 전체 분위기와 조화를 이루어 시각적 효과를 높여야 하는 역할을 가지고 있다.
⑤ 조명은 무대 위의 초점을 제공하는 기능을 한다. 이러한 조명의 포커스는 필요한 부분에 관객의 시선을 집중시킴으로써 불필요한 부분으로부터 관객의 관심을 멀어지게 한다.
⑥ 조명은 변화와 리듬을 주는 기능을 한다. 무대에서의 조명은 몇 가지의 공통된 운동성을 지니고 있다. 밝았다가 어두워지는 밝기의 변화와 조명의 색깔이 전환하는 색의 변화, 조명이 비춰지는 지역이 변하는 배치의 변화가 그것이다.